Ein Märchen bekommt einen neuen Anstrich: In Oberhausen wird für „Die Schöne und das Biest“ geprobt

Seit mehr als 30 Jahren ist Martin Doepkes Musical „Die Schöne und das Biest“ auf den Bühnen zu sehen. Jetzt kommt die Produktion erstmals ins Metronom Theater Oberhausen – mit überarbeitetem Buch, neuen musikalischen Elementen und einer aufwändigen Ausstattung. Wichtig dabei: Es handelt sich nicht um das bekannte Disney-Stück, das von Dezember 2005 bis Januar 2007 in Oberhausen zu sehen war und gerade nach Wien zurückgekehrt ist, sondern um eine eigenständige Musicalfassung des französischen Märchenstoffs. Bei einer Probe wird deutlich: Hinter der märchenhaften Geschichte steckt jede Menge Handwerk. Komponist Martin Doepke und Regisseur Gil Mehmert erklären, warum sie dem Klassiker eine neue Perspektive geben wollen.

Ein rotes Kleid, das acht Kilogramm auf die Waage bringt. 60 Meter Stoff, die allein darin verarbeitet wurden. 37 handgeknüpfte Echthaarperücken und insgesamt 105 Kostüme: Bis die Geschichte von der schönen Bella und dem verwunschenen Prinzen auf der Bühne des Metronom Theaters zum Leben erwacht, sind zahlreiche Hände und viel Liebe zum Detail gefragt.

Schon beim Probenbesuch lässt sich bereits erahnen, wie viel Aufwand in der neuen Produktion steckt. Dabei geht es nicht allein um prächtige Kostüme und märchenhafte Bilder. Auch musikalisch und dramaturgisch wurde das Musical grundlegend überarbeitet. Die Verantwortlichen wollen dabei allerdings nicht die Wurzeln des Stücks kappen.

Ein Musical, das 1994 seinen Anfang nahm

Die Geschichte dieser Musicalfassung reicht bis ins Jahr 1994 zurück. Damals entwickelte Komponist Martin Doepke gemeinsam mit einem Kreativteam eine eigenständige Version des französischen Märchenstoffs. Die Initiative dazu ging von der damaligen Produzentin Andrea Friedrichs aus.

Doepke, der aus der Rock- und Popmusik kommt, erinnert sich an einen eher intuitiven Entstehungsprozess. „Ich habe mich in eine Einöde verzogen für eine Woche und tatsächlich kam ich mit sieben Themen zurück“, erzählt er. Erst danach habe sich das Material gemeinsam mit dem Kreativteam weiterentwickelt. Musik, Buch und Liedtexte seien nach und nach entstanden. Das Tempo war beachtlich: „Nach sechs Monaten war schon die Premiere im Kölner Sartory-Saal.“

Dass das Musical mehr als drei Jahrzehnte später noch immer gespielt wird, hätten die Beteiligten damals nicht erwartet. Dabei war die Entstehungsgeschichte durchaus von einer besonderen Konstellation geprägt: Parallel entwickelte sich in den USA die deutlich bekanntere Disney-Version. Eine bewusste Konkurrenzsituation habe es allerdings nicht gegeben, betont der Komponist. Als die eigene Produktion entstand, habe es zunächst nur den Disney-Zeichentrickfilm gegeben, nicht aber das Musical.

Ohnehin sei der Stoff frei interpretierbar. Die eigene Fassung habe sich deshalb stärker an der ursprünglichen Geschichte orientiert und bewusst eine eigenständige musikalische und erzählerische Handschrift entwickelt.

Mehr als eine Wiederaufnahme

Nach zahlreichen Tourneen und unterschiedlichen Lizenzproduktionen erlebt das Musical nun eine Art Wiederauferstehung. Für Martin Doepke ist die aktuelle Inszenierung nicht einfach eine weitere Station in der langen Aufführungsgeschichte, sondern eine echte Neuproduktion. Auch das Buch wurde dafür überarbeitet, die Musik weiterentwickelt und um neue Elemente ergänzt.

„Ich will nicht von modernisiert sprechen. Das klingt so ein bisschen modisch“, erklärt Doepke. Vielmehr gehe es darum, dem Stück einen neuen Zeitgeist zu geben, ohne seinen ursprünglichen Charakter aufzugeben. Dazu gehören zusätzliche Chöre, neue musikalische Übergänge und so genannte Underscores – instrumentale Passagen, die Szenen und Songs miteinander verbinden und an Filmmusik erinnern.

„Es ist sehr viel komplexer geworden“, sagt der Komponist. Einige neue Stücke seien hinzugekommen, die zwar den musikalischen Geist der ursprünglichen Fassung aufgriffen, aber in einem neuen Gewand daherkämen.

Besonders wichtig ist ihm dabei die Livemusik. Neun Musiker spielen bei der Produktion vor Ort, ergänzt durch zugespielte Orchesteraufnahmen. Für den Komponisten ist das ein entscheidender Unterschied zu Produktionen, bei denen die Musik ausschließlich vom Band kommt.

„Wenn ich einen Livemusiker habe, dann passiert was zwischen Musik und Bühne“, erklärt er. Eine Aufnahme könne zwar sauber und gleichmäßig klingen, reagiere aber nicht auf das Geschehen. Ein live spielendes Orchester dagegen könne Dynamik aufnehmen und mit den Darstellerinnen und Darstellern interagieren. Bei Musik vom Band fehle diese unmittelbare Wechselwirkung.

Dass die aktuelle Produktion eine hybride Lösung aus Live-Musikern und zugespielten Arrangements nutzt, hält er für einen guten Kompromiss. Schließlich sei ein großes Orchester heute auch eine wirtschaftliche Frage. Die musikalische Lebendigkeit wolle er dennoch nicht missen.

Eine neue Perspektive

Für die neue Inszenierung zeichnet Gil Mehmert verantwortlich. Der renommierte Regisseur, der sowohl im Musical- als auch im Opernbereich arbeitet, durfte das Buch neu bearbeiten. Sein Ziel: mehr Bewegung, mehr Perspektiven und eine Erzählweise, die den heutigen Sehgewohnheiten entgegenkommt.

„Ich habe sehr viel Statik gesehen“, beschreibt Mehmert seinen Eindruck von früheren Inszenierungen. Das habe er verändern wollen. Monologische Passagen wurden teilweise aufgeteilt, aus einzelnen Szenen sollten Duette werden, unterschiedliche Sichtweisen stärker miteinander verschränkt werden. Die Geschichte sollte dynamischer erzählt werden, ohne ihre Grundsubstanz zu verlieren.

Denn der Regisseur weiß um die Bedeutung der Originalfassung. Wer ein bekanntes Musical neu auf die Bühne bringt, muss Erwartungen erfüllen und gleichzeitig eigene Akzente setzen. Das Originalwerk habe schließlich Fans, die er nicht vor den Kopf stoßen wolle.

Auch die Abgrenzung zur Disney-Version spielt dabei eine Rolle. Mehmert möchte keinesfalls den Eindruck erwecken, sich einfach an deren Erfolg anzuhängen. Schließlich gehe die Geschichte auf ein mehr als 300 Jahre altes Märchen zurück. „Das ist europäisches Kulturgut, das ist eine wunderbare archaische Geschichte über wahre Werte, innere Schönheit“, sagt Mehmert.

Die neue Inszenierung soll deshalb etwas tiefer gehen. „Ein bisschen aus dieser ganz großen Märchen-Naivität rauszukommen“, sei ihm wichtig gewesen. Das Märchen solle nicht ausschließlich Kinder ansprechen, sondern auch „das Kind im Erwachsenen“. Es gehe um Atmosphäre und um eine Erzählweise, die unterschiedliche Altersgruppen erreicht.

Das Biest als besondere Herausforderung

Eine der größten Herausforderungen für Gil Mehmert ist die Darstellung des Biests. Denn wie eine solche Figur auf der Bühne wirkt, hängt nicht allein von der schauspielerischen Leistung ab. Kostüm und Maske spielen eine entscheidende Rolle.

„Was ist das Biest? Ist es ein Tier? Ist es ein Monster? Was macht es gräulich und grässlich und abstoßend?“, fragt der Regisseur. Gerade bei einer Figur, die zwischen Menschlichkeit und Monstrosität angesiedelt ist, komme es auf die richtige Balance an.

Erst wenn Kostüm und Maske vollständig hinzukommen, lasse sich beurteilen, wie die Darstellung tatsächlich funktioniert. Ein Darsteller könne in der Probe zunächst bestimmte innere Eigenschaften sehr deutlich herausarbeiten. Ein aufwändiges Kostüm könne diese Wirkung später aber verändern. Dann müsse das Spiel möglicherweise wieder zurückgenommen werden.

Dass die Ausstattung bei dieser Produktion eine wichtige Rolle spielt, zeigt schon ein Blick auf die Zahlen. Insgesamt 105 Kostüme kommen zum Einsatz. Dafür wurden mindestens 1.400 Meter Stoff verarbeitet. Allein Bellas rotes Kleid besteht aus 60 Metern Stoff und wiegt acht Kilogramm. Das Feenkleid wiederum ist mit 650 Strasssteinen besetzt.

Auch die Maskenabteilung hat einiges zu tun: 37 Perücken wurden für die Produktion angefertigt. Sie bestehen aus Echthaar und sind vollständig von Hand geknüpft. Rund 40 Arbeitsstunden benötigt eine einzelne Perücke. Insgesamt summiert sich das auf knapp 1.480 Arbeitsstunden. Für das Perücken-Fitting wurden zunächst rund 150 verschiedene Modelle mitgebracht und mit den Darstellerinnen und Darstellern ausprobiert, bevor die passende Variante für jede Rolle feststand.

Besonders aufwändig ist auch das Kostüm des Biests. Hier arbeiten Kostüm- und Maskenabteilung eng zusammen. Einzelne Echthaarsträhnen werden von Hand eingeknüpft und anschließend frisiert. Das Ergebnis soll möglichst authentisch wirken und die Grenze zwischen Kostüm und Maske verschwimmen lassen.

Das Auge hört mit

Gil Mehmert denkt seine Inszenierungen stark aus der visuellen Perspektive. Er bezeichnet sich selbst als optischen Menschen und legt großen Wert darauf, dass die Abläufe auf der Bühne funktionieren. „Das Auge hört mit“, lautet einer seiner Leitsätze bei den Proben.

Es reiche nicht, wenn ein Darsteller musikalisch überzeugt. Auch Bewegungen, Blickrichtungen, Timing und Bühnenfokus müssten stimmen. Selbst kleine Unstimmigkeiten könnten die Wirkung einer Szene verändern.

Deshalb beginnt seine Arbeit lange vor der eigentlichen Probe. Bei der aktuellen Produktion konnte er bereits während der Überarbeitung des Buches konkrete szenische Vorstellungen entwickeln. „Die Inszenierung ist schon komplett im Kopf entstanden“, sagt er.

Das sei auch eine Frage des Respekts gegenüber den Beteiligten. Schließlich sei die Probenzeit für alle wertvoll. „Es ist ja von allen Arbeitszeit, um nicht zu sagen Lebenszeit.“ Diese Zeit wolle er nicht mit ziellosem Ausprobieren verbringen, sondern so vorbereiten, dass die Beteiligten möglichst effektiv und zugleich mit Freude arbeiten können.

Dass Mehmert neben seinen Musicalproduktionen auch im Opernbereich tätig ist und weitere Projekte betreut, macht die Koordination nicht unbedingt einfacher. Er selbst beschreibt es allerdings eher als Herausforderung, die ihn wachhalte. Gute Vorbereitung und ein eingespieltes Team seien dabei entscheidend.

Text: Dominik Lapp